声乐表演有别于器乐的音乐表演艺术形式，主要是指用歌声，以嗓音为主的音乐表演，包括美声、通俗、民族、戏曲等形式外还不应排外如口哨、口技等特殊的声乐表演形式。下面我们就为大家介绍一下声乐表演论文的论文，希望对大家了解此方面的论文上有所帮助。、
声乐表演论文第一篇：声乐表演技巧的培养策略探究
作者：谢宗强
作者单位：广西师范大学音乐学院
摘要：声乐表演是对音乐作品的再创作，在声乐表演过程中，要想成功地演绎声乐作品，表达作品的内涵，打动观众，引发观众情感共鸣，就必须要持之以恒地训练声乐表演技巧。为此，需融合多方因素，尤其是情感因素、心理因素、形体因素等，提高艺术表现力。文章将从声乐艺术实践中表演技巧的原则入手，从五个层面探讨如何培养声乐表演技巧。
关键词：声乐表演技巧； 形体； 情感； 心理；
作者简介： 谢宗强（1982.03-），男，汉族，山东即墨，讲师，研究方向：声乐教学。；
歌唱始终是声乐艺术中最为核心的表现形式。在这一过程中，表演者作为作品情感表达的载体，需要通过自身的表演来将作品中所包含的情感、思想传递给观众[1].从这一角度来说，声乐艺术中的表演者占有绝对重要的地位，堪称是声乐艺术中的灵魂。因此，只有表演者熟练地掌握声乐表演技巧，才能够更好地在舞台上将作品的魅力展现出来，加强作品的生命力和感染力，为观众带来美的享受。事实上，表演者通过各种技巧以展现作品的内涵和外延，正是声乐作品能够成为艺术的关键所在，如果仅仅是将乐谱符号简单地展现出来，那么声乐作品将失去其艺术价值，甚至不能被称之为艺术。从这一角度来说，声乐表演技巧尤为重要，加强对表演者声乐技巧的培养和强化，有着重要的现实意义。
一、声乐艺术实践中表演技巧的运用原则
在声乐艺术实践中，运用表演技巧，需要遵循真实性原则、时代性原则。
1.遵循真实性原则
这里我们所重点强调的真实性原则，主要是指对于声乐作品的把握和理解。也就是说，无论采用何种技巧，都必须保证表演艺术遵从于原作品的思想情感，所以表演者必须具备良好的艺术修养，即较好地理解作品的内涵和外延，具有良好的作品感悟能力[2].也就是说，表演者必须深入了解和掌握作品的曲子、歌词，并以此为基础去正确揣摩创作者的思想意图，然后凭借成熟的技巧将其思想意图真实地再现出来。事实上，将原作品思想情感真实地表达出来，不仅要求表演者要善于利用旋律、语气、结构高潮等技巧凸显作品的情思，同时还要配合眼神、肢体语言、表情等，强化表达效果，让观众更好地接收到作品所要传达的情感[3].
2.遵循时代性原则
虽然无论是在哪个时代，优秀的音乐作品都能触动人心，但是在音乐作品的表演过程中，却不能不考虑时代性的原则。艺术来源于生活又高于生活。作为一种艺术作品，声乐作品在创作风格、作曲特点等方面，都有着所在历史时代的鲜明特点。第一，不同作品均有着自身的创作背景，不仅深受创作者个人情感的影响，同时也直接受到当时所处社会背景的影响，因此作品具有典型的历史性特征；第二，时代的发展过程中，不同时代的表演者都会从所在时代的特点出发，以音乐作品办本身为出发点，重新表达自己的情感，因此音乐作品也同样会带有表演者本身的时代特征；第三，音乐作品的表演形式也同样是随时发展、进步的，不同时代的表演形式、表演技巧，甚至观众的喜好都是不同的，所以必须尊重历史的基础上，在表演的过程中紧密结合当下的时代特征，并将其作为表演和再创作的基础，为作品内涵的表达提供更为强大的支持。
二、声乐演唱者如何培养声乐表演技巧
良好的声乐表演技巧的培养，需要从了解音乐作品的内涵与背景、训练眼神与面部表情、训练心理素质、培养情感、训练形体动作等多个方面加以努力。
1.在声乐演唱之前了解音乐作品的内涵及其创作背景
自身的浓厚情感以及所处时代的特定背景，始终是创作者在开展艺术创作过程中的重要出发点和落脚点。用音符记录自己的人生，承载艺术[4].对艺术作品加以深入地鉴赏，始终是强化受众艺术感受、激发更为强烈的共鸣的重要基础和前提，以此为基础而融入创作背景中来，仔细揣摩作者的情感和心境，从中领悟他们艺术作品的多元特征。情感共鸣的有效激发，是保证表演成功的核心所在，而只有正确而深刻地赏析、解读艺术作品，才能够有效地将听众带入到情感演绎中来。
2.注意眼神、面部表情的训练
神似始终是声乐表演过程中，表演者所追求的一种状态。在某种意义上来说，声乐表演离不开表演者眼神、面部表情的支持，是赋予作品立体感、真实感的重要方面，同时也是全面突出作品内涵的关键所在。因此，深入钻研和掌握眼神技巧、掌控面部表情，是全面强化表演效果的重要方面，值得我们给予应有的关注和重视。此外，角色的转变和兼容过程中，也同样对表演者的眼神表达、面部表情有一定的要求，观众可以通过观察表演者的眼睛来探索其内心世界。同样的，表演者也同样可以通过自己的眼睛，和观众之间形成更为深刻的沟通和交流。所以，加强眼睛、眼神的锻炼尤为重要，是舞台上表达人物情感的重要途径[5].
3.强化心理素质训练
声乐表演者需要面对众多观众，如何轻松自如地驾驭舞台非常关键。与此同时，声乐表演者在舞台上可能会面临一些突发状况，处理不当就会造成负面影响。因此需要有足够强大的心理素质。具体来说，强化心理素质训练，可以从以下几点入手。
（1）强化自身的记忆、认知、推理能力
声乐表演者需要具备一定的记忆、认知、推理能力，这有利于表演者自信心的建立。如，基于演唱记忆为例。这是声乐演唱者必须掌握的技能，对旋律、歌词、呼吸、情感的细致处理，需要良好的记忆力作为根基。如果歌者记忆力欠佳的话，演唱时就很容易怯场，缺乏自信，所呈现的作品很难进行完美的二次创作，也难以将创作者的创作意图展现出来。
（2）强化自身的意志力
声乐是一个非常复杂、艰辛的学习过程，需要演唱者不断地练习，因此意志力对于声乐表演者非常重要，其决定了声乐表演者能否坚持不懈地练习与提升专业素质。
（3）强化自身遇事冷静的能力
演唱实践过程中，可能会突发各种各样的事件，声乐表演者只有具备冷静的头脑和良好的心理素质，才能提高自己的表演技巧，克服演唱实践中出现的诸多状况。
4.注重声乐表演的情感培养
本文中所重点研究的声乐表演，主要是指表演者按照对音乐作品的个人理解，重新诠释并演绎，呈现给广大观众的系统化过程。情感投入无疑是舞台表演过程中，影响整体艺术感染力的重要因素，只有表演者全身心地投入情感，才能够使得观众产生共鸣，从而体会到作品独特的魅力。不过我们也必须清醒地认识到，情感的表达是需要有一定的技巧的，不仅要深入揣摩作品创作者所要表达的情感，同时还需要在表演之前进行充分的酝酿。显然，情感的体现离不开歌唱技巧的支持[6].不同作品在声乐技巧方面的要求各不相同，只有深入而熟练地掌握表演技巧，才能够为声乐作品内涵的展现提供足够的支持，例如，高音把控能力是保证舞台表演过程中，高音不破的基础所在。同时，表演者自身深入地了解作品的内涵、思想以及情感，才能够在舞台上将他们呈现给观众[7].
5.训练形体动作的协调性
声乐演唱者应该不断强化站姿训练和手势动作训练，这对于形体动作的协调性有益。
（1）强化站姿训练
歌唱姿势也同样是声乐表演过程中必须重点强调的问题。一般情况下，我们可以从一位表演者的站姿上判断出其日常训练的强度以及所具有的舞台经验，这是因为只有经过专门培训的专业表演者，才会无时无刻不注重自己在舞台上的站姿。按照现有的研究成果和实践经验来看，表演者在舞台上的发声效果，通常和其站姿的标准程度呈现出正相关关系。也就是说，保证站姿的标准，是保证发声效果的重要基础。表演过程中，如果表演者昂首挺胸，那么胸口显然会更为开阔，有利于发出更为流畅的气息；反之，则会出现胸口沉闷、气息不畅的问题，不仅会导致发生准确性受到极大的影响，甚至还会出现破音。显然，发声技巧、站姿始终是影响表演者舞台表演效果的关键因素，值得我们给予应有的重视和关注。
（2）强化手势动作训练
肢体语言也同样是舞台表演过程中，向观众深度传达作品情感的重要方面。所以，表演者一般将肢体语言称之为外部语言。在舞台上，表演者的手势因为聚光灯的照射而变得纤毫毕现，任何一个微小的动作都会对舞台效果带来直接或者间接的影响。所以，声乐艺术的表演者，必须保证肢体动作的连贯性、协调性，并且保证动作和表演的内容的一致性，才能够有效提升舞台的整体表演效果。一般情况下，声乐表演的手势主要有：首先是指示性手势，即传递指令、指明方向为主要用途的手势；其次，具有情绪特征的手势，即通过手势来展现舞台人物的情感变化；第三，象征性的手势，即通过手势以象征强烈的情感；最后，模仿性的手势，即以声乐作品中某些事物所具有的基本特征为出发点，结合情感而做出的虚拟呈现类型的手势。
三、结语
以上，笔者对声乐艺术实践中表演技巧的运用原则以及声乐演唱者如何培养声乐表演技巧这两个方面进行了探究。声乐表演是需要一定技巧的，在声乐训练的过程中，演唱者应该不断强化自身对于声乐表演技巧的掌握，不断提升自身心理素质，融入情感，使受众真正地对音乐有着强烈的认同感，进而达到演唱的过程中，把精神和灵魂进行交融的目的。
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声乐表演论文第二篇：现代音乐美学融入声乐表演艺术探讨
作者：张昊
作者单位：沈阳音乐学院声乐教育学院
摘要：现代音乐美学能够使声乐表演在理论的指导下进入自觉境界，有效对音乐本质进行最大挖掘，让音乐艺术魅力更好地尽情展现出来，从而提高人们的审美水平。文章从音乐表演和音乐美学之间的关系入手，认为音乐美学能够将音乐教育理论转换为实践，提升表演水平；论述了现代音乐美学对声乐表演艺术创作的理论指导、表演"同一性"的阐释、表演效果的优化等方面的促进作用；进而提出了现代音乐美学关于作品的二度创作、原始作品的理解、声乐表演形式等声乐表演方面的要求，以及自我创造和忠于原始作品的协调统一、历史与现实的协调统一等声乐表演者方面的要求。
关键词：现代音乐美学； 声乐表演； 艺术；
作者简介： 张昊（1981-）女，讲师，教育学硕士。主要从事声乐演唱以及声乐教育研究。；
Abstract:Modern music aesthetics can make vocal performance enter the conscious realm under the guidance of theory, effectively excavate the essence of music, and show the charm of music art better, thus improving people's aesthetic level. Starting from the relationship between music performance and music aesthetics, this paper holds that music aesthetics can transform music education theory into practice and improve performance level. It discusses the promotion of modern music aesthetics to the theoretical guidance of vocal performance art creation, the interpretation of performance "identity" and the optimization of performance effect. Then, it puts forward the requirements of modern music aesthetics on the second creation of works, the understanding of original works, the forms of vocal performance, and the requirements of vocal performers such as self-creation and loyalty to the original works, and the harmony between history and reality.
Keyword:modern music aesthetics; vocal performance; art;
进入20世纪之后，作为从音乐艺术总体高度研究音乐本质和内在规律性的基础理论学科音乐美学的现代性更加显现，迎来了其进步和发展的新阶段，也在很大程度上促进了我国现代音乐美学向着更加深入的层次延伸，和各种音乐艺术形式的联系愈加紧密，并在音乐表演中有着鲜明的体现。虽然社会不同群体、不同阶层对于音乐艺术的观念不尽相同，但现代音乐美学能使音乐艺术魅力更好地尽情展现出来，增强其感染力，从而提高人们的审美水平。从音乐美学角度对声乐表演艺术进行研究，能够使声乐表演在理论的指导下进入自觉境界，走向更加辉煌的艺术殿堂。声乐表演是集音乐、表演、声乐技巧和语言表达等为一体的艺术形式。简单强调演唱技巧、声音质量、歌词清晰等问题，容易忽视运用美学思想来诠释音乐作品，及有效利用人们的审美心理来达到对音乐本质的最大挖掘。[1]本文从音乐表演和音乐美学之间的关系入手，论述了现代音乐美学对声乐表演艺术的促进作用，进而探讨了现代音乐美学对于声乐表演的要求。
一、音乐表演与音乐美学之间的关系
各国音乐家们对音乐的本质、音乐审美感受、音乐的社会功能和价值标准等基本问题的思索和探讨起溯于遥远的古代，音乐美学学科类属于哲学范畴，是艺术哲学的重要分支。音乐美学的概念最早出现在18世纪末叶德国音乐学者的著作中，作为一门独立的学科，则是19世纪后半叶在欧洲逐步建立起来，实现了多学科知识的融会贯通，为音乐发展奠定了坚实的理论基础。两个多世纪以来，国内外学者对音乐美学展开了广泛研究，丰富了音乐美学理论，延展了音乐美学空间，提升了音乐美学的理论层次和促进了音乐美学研究的精深方向发展。开展音乐学习，必须渗透音乐美学知识，构建完整的知识结构和知识体系。音乐美学助力音乐表演，能够优化音乐表达，全面理解乐曲，为受众带来耳目一新的感官体验。可以说，音乐美学指明了音乐学习的方向，概括了音乐表演的本质，想要收获最佳的音乐表演效果，必须充分认识音乐美学的重要性。普通人对音乐美学知识一般不甚了解，音乐感受性就较差，无法真正进入音乐世界之中与创作者达到心灵上的遥相契合；而学习音乐美学，掌握专业的音乐美学知识，才能对音乐有更加深刻的感悟，领略音乐艺术的真谛，必然能为演出者增强表演效果。
音乐美学是多学科整合的成果，对于音乐表演者而言，音乐美学具有很强的指导性，能够将音乐教育理论转换为实践，提升表演水平。但现实中，部分表演者混淆了音乐美学的定义，将音乐美学等同为音乐技巧，将演出简单的等同于炫技，这样的演出效果未必尽如意。表演者必须具有扎实的音乐基础、良好的音乐素养和对音乐表演的独特见解，因此表演者作为音乐表演的桥梁，需要将表演和音乐进行有效的结合[2].只有准确把握和理解音乐的思想内涵，领悟创作者的情感，注重音乐表演的层次性和深刻性，呈现最佳的演出状态，实现表演者和观众的心灵共鸣，才能收获应有的演出效果。
在我国社会发展和进步的过程中，人们的生活品质在不断提高，对美好生活的向往更加强烈，整体的审美水平也在不断提高。作为生活之中比较常见的一种艺术展现形式，音乐表演不仅仅要求表演人员能够把自己的情感融入其中，更要求音乐作品能够拥有自身的灵魂；音乐不仅仅是技术的展现，更是作品作为表演艺术的美学呈现。音乐表演者应该能够将音乐的演奏和演唱中所包含的独特内涵展现出来，同时也能够通过艺术的演奏和演唱传达音乐和演员自身所具有的情绪、情感，从而产生强大的美学感染力。每个演奏和演唱者对于同一音乐的理解程度也是不相同的，所以最终演绎出来的音乐艺术美学效果也不尽相同，同一音乐作品不同的表演或演奏者会有不同的演绎。不同的节拍、曲调、音质和不同的伴奏乐器能够演绎的情绪一定不同，甚至大相径庭。音乐表演或演奏是一种链接了创作和欣赏之间的类艺术形式，音乐作品自身既具有完整丰富的内涵，同时也是音乐表演者内心思想情感的表达，所以不同创作人员所展现出的音乐作品其风格上才存在着巨大的差异，音乐的展现形式具有多样化特点，同时和观众的审美也息息相关。当然，音乐风格必定随着时代不断更迭而变化，随地域民族不同而不同，观众也必然对音乐表演提出更高要求。
二、现代音乐美学对声乐表演艺术的促进作用
首先，音乐美学现象学理论是音乐创作的理论指导。 上个世纪20年代，诞生了现象学美学，这是一种音乐哲学理论。从波兰的著名音乐学者罗曼所发表的与现象学美学有关的论文开始，这种研究路径逐渐受到了业内人士的关注，并且产生了了非常强烈的反响。一般的音乐美学研究有两种角度：第一种是以音乐为依据，并不考虑人所具有的意志和作用，也就是客观地、单纯的对作品进行研究；第二种是把人的主观意识作为其主导性的因素，重视表演者赋予作品的意义。因为音乐具有非常强烈的表现性，艺术而成功的表演必须和人的思想、情感进行强烈的碰撞，才能够产生强大的震感效果。音乐表演者是作品的二度创作者，音乐美学现象学理论可以为之提供理论指导。
其次，音乐美学现象学理论阐释了声乐表演中的"同一性"问题。现象学音乐美学的理论不仅仅对音乐创造和音乐发展起到了理论指导的作用，对于声乐表演中所具有的同一性特点，也能给予完美解释。目前大部分的声乐表演过程中一般有三方面的内容：剧本、乐谱和表演者。表演者在进行声乐艺术表演过程中，需要严格的按照乐谱进行表演，然而一千个人眼中对于音乐的分析和解释有一千种看法[2],所以对于不同的表演人员，即便是同样的乐谱，也依然有着自己的理解，艺术呈现效果和风格一定不同，甚至同样的表演者在不同的时间和地点，演出效果也是存在着一定差异的。在此之前，人们对于音乐是否需要严格的按照乐谱进行表演也进行过非常激烈的探讨和分析，现象学美学理论非常圆满的阐释了声乐表演中的这个"同一性"问题，认为在音乐表演的过程中不需要太过拘泥于乐谱之中，乐谱实际上只是对音符记录的一种展现形式，表演者在进行乐谱的歌唱或演奏时，如果仅仅局限于乐谱本身，反倒会造成歌唱或演奏音乐过于呆板，缺乏灵魂和内涵。只有突破乐谱和技术，才能够展现出灵动的表演、才能够真正的把表演者的特质格融入其中，这样展现出的音乐才具有独特的的生命力和活力，在对作品的二次创作中达到更高的艺术境界。
再次，音乐美学释义学理论能够优化声乐表演效果。研究者一般认为释义学是美学中非常核心的内容，并且已经形成了一整套理念。其理论的创立初衷是为了能够对历史的真相进行还原，并且对所包含的历史知识内容进行客观的解释和分析，但在当时学者们并没有意识到这一理论能够应用到声乐表演中，并且使声乐艺术深受这一思想理念的影响。在19世纪的德国，音乐学家正式地将这理论引入到音乐表演和相关艺术之中，在此之后，声乐表演艺术在这一思想的推动下，得到了快速良好的发展和进步。音乐美学释义学认为优秀的音乐作品必定具有典型的时代性特征，与当时社会的价值导向、环境风尚、思想潮流、审美取向都有着非常紧密的联系，但是由于时代的局限性和其他原因的影响，相关学者并没有深入对音乐的本质进行分析。到了20世纪的初期，这一领域的研究者认为应该深入挖掘音乐作品本身深刻的社会意义，随着时代的不同展现出不同的表演意义，并需要保证音乐作品能够被观众所接受和理解，进而达到共鸣、启迪。这一过程就是在掌握基本技巧基础上，演唱者从自身对作品的理解出发，在对社会现实准确把握基础上阐释作品的意义，从而通过作品使历史照进现实，在当下的情境中达到历史与现实的"视域融合".
三、现代音乐美学对于声乐表演的要求
哲学和艺术是人类精神文化领域两座不同性质的高峰，哲学代表着人类理性的最高形式，艺术代表着人类感性的最高形式。哲学主要通过美学这一中介对艺术产生重大的影响。
首先，现代音乐美学理论随时代发展而产生新变化，在与时俱进中不断完善，对声乐表演提出了越来越高的要求。第一，关于音乐作品的二度创作。现代美学认为音乐作品为声乐表演指引了方向，表演者应该追溯创作者的艺术创作历史，对音乐作品进行历史阐释和现代展现，开拓音乐作品的表演境界。声乐表演者必须把握音乐作品的文化价值，知晓音乐作品的历史意义，对音乐作品倾注真实情感，在二次创造过程中收获全新体验。第二，关于对音乐原始作品的理解。现代音乐美学认为音乐作品原作主要是由创作构思和曲谱两方面构成的，创作构思需要创作者的广泛参与，作曲家需要将脑海中的音律传递出来，转换为物质形态的曲谱。创作者的构思越精妙，音乐作品的魅力值越高，音乐作品的感染性越强；曲谱在音乐表演过程中必不可少，作曲家通过乐谱记录自己的艺术作品。创作构思和曲谱相辅相成，如果没有创作构思，曲谱将成为形式化的产物；而如果没有曲谱，创作构思将无从考察。在对待音乐作品原作时，表演者需要把握作曲家的创作意图，获得一手资料，并正确认识曲谱，对曲谱进行解读，这是声乐表演的第一步。第三，关于声乐表演形式。现代音乐美学将音乐视为对象，认为音乐的终极目的就是调动表演者的全身心参与，创造音乐艺术成果，实现表演者与观众心灵和情绪的互融互通。声乐表演者不仅要具备历史视野，对音乐表演的历史意义有所了解，且要融入自己的深刻理解和真情实感，使音乐表演更加自然。所以，声乐表演不仅是对艺术作品的重复，还是对艺术作品的创新。音乐表演者不仅要还原艺术作品，且要提升艺术作品的审美层次，对艺术作品进行再造和创新，甚至在越来越多次的演唱中不但达到技巧的炉火纯青，更不断趋近思想艺术的高峰。
其次，音乐美学学科涉及范围广泛，专业性比较强，诸多国内外学者的理论研究论证了音乐美学的内涵，指出了音乐美学对声乐表演者的重要性。作为声乐表演者，必须掌握音乐美学知识，汲取音乐美学营养。进入新时代以来，我国文艺事业快速发展，对艺术工作提出更高要求，声乐表演者既需要贴合观众的审美认知，满足观众的审美需求，又要自觉提升自身艺术修养，在艺术实践中开展音乐美学研究，遵循音乐美学的表演规律，以优秀的作品和演绎形式以文化人。第一，声乐表演者应该实现自我创造和忠于原始作品的协调统一。声乐表演者演绎的是别人的作品，如何在演绎他人作品中彰显个人特色，应是声乐表演者关注的重点问题。表演者需要立足大的时代背景，对音乐作品进行深入理解，体会音乐作品的内涵，凸显音乐作品的时代价值。在表演过程中，声乐表演者不仅要还原本来作品，尽量保持作品的原汁原味，还应该融入自己对音乐作品的理解，适当开展二度创作。声乐表演者需要对曲谱进行仔细钻研，完善曲谱的不协调之处，凸显音乐作品的新生机。同时，还要投入巨大热情，充分参与到音乐创造中来，根据音乐美学阐述自己的观点，在音乐表达中有所体现。第二，声乐表演者应该实现历史与现实的协调统一。很多经典作品都有其特殊的创作背景，都是时代的产物，在演绎过程中要把握作品的特色，凸显作品的历史风格，同时，声乐表演者的演出必然内涵时代精神，要做到推陈出新。目前，国内有不少对历史音乐作品的现代化重构，音乐作品的演绎风格可以变换，如同一首歌抒情曲可改为说唱曲、民歌可改为流行曲、美声可改为京剧等等，如此可促进作品的传播与推广，贴合观众的接受实际。但是，这种重构必须是对历史的尊重和社会意识形态主旋律一致基础上的重构，从而使青年一代的声乐表演者站在前人的肩膀上，既能以现代审美眼光来看待历史作品，又能实现守正与创新的平衡和完美结合。
综上所述，音乐是一门理论和实践相结合的综合艺术，体现了社会时代的变革和政治经济文化的繁荣发展[3],而音乐美学能使声乐表演脱离单纯空洞的形式，传达出丰富的非语义意义，反映丰富多彩的现实生活，让音乐作品真正的源于生活，并且服务于实际生活，进而带领我们走向诗和远方，提升审美情趣。本文从这一角度对声乐表演形式进行审视，提出了新的艺术标准，希望能够为我国现代的音乐美学发展，以及助力声乐表演艺术进步，使声乐表演艺术焕发出时代活力。[4]
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